All These Blues

B.B. King, Eric Clapton, Buddy Guy & Jim Vaughan - Rock Me Baby

2010-04-03T23:41:00.000+02:00

Stevie Ray Vaughan - Texas Flood (1983)

2009-10-20T19:54:00.001+02:00

Hablar del blues sin mencionar a Stevie Ray Vaughan es un delito que debería estar penado en todos los países del mundo. Sin duda alguna es el bluesman blanco más reconocido de la historia, y el que le dio un nuevo sentido al estilo durante la década de los ochenta.

Stevie Ray nació en Dallas, Texas, en 1954. A los 3 años, recibió su primera guitarra de juguete, y a los 9 su primera guitarra eléctrica. A la edad de 13 años ya tocaba en un grupo llamado The Chantones, el cual tocaba en fiestas escolares y privadas. Un fortuito accidente laboral en 1970 le hizo abandonar su trabajo y dedicarse enteramente a la música, formando el grupo Blackbird. Un año después, se trasladó a Austin, Texas.

La carrera de Vaughan siguió poco a poco avanzando hasta que llegaron los años 80, punto clave en su carrera. En 1981 Vaughan y su banda tocaron en el festival de Manor, Texas. Una grabación de su actuación fue enviada a Charlie Watts, batería de los Rolling Stones, y le pidió que tocara en una fiesta privada para ellos. Al año siguiente la banda tocó en el Montreux Jazz Festival de Suiza. Vaughan fue invitado a tocar en la gira de David Bowie de su nuevo disco Let's Dance, pero renunció a las pocas actuaciones. Su primer contrato discográfico llegó en 1982 de la mano de John Hammond, prestigioso productor que descubrió los talentos de Bob Dylan, Leonard Cohen y Bruce Springsteen entre otros. De sus primeras grabaciones en 1983, que duraron tan solo 3 días, salió su primer y aclamado disco: Texas Flood.

El disco es una mezcla entre clásicos del blues y temas propios de Vaughan, con su estilo de blues eléctrico y un sonido poco ochentero. Así, tenemos la canción homónima, original de Larry Davis. Testify es original del grupo de soul Isley Brothers (con Jimi Hendrix a la guitarra). Mary Had a Little Lamb es una versión de Buddy Guy, mientras que Tell Me es de Howlin' Wolf. Por parte de las creaciones propias, destacar el clásico directo del disco: Pride and Joy. El riff es sacado de otra canción del disco: I'm Cryin, pero Pride and Joy se ha convertido en todo un icono, demostrando que Vaughan estaba a la altura guitarrística del mismísimo Hendrix. Lástima que tan solo 7 años después, el destino quiso volvernos a arrebatar un grande de la música, esta vez por un accidente de helicóptero.

Fleetwood Mac - I'm Worried

2009-08-19T01:41:00.002+02:00

Freddy King - Let's Hide Away and Dance Away with Freddy King (1961)

2009-07-06T19:34:00.004+02:00

Junto a B.B. King y John Lee Hooker, Freddy King es el tercer rey del blues, y con razón. Su estilo, a caballo entre el Texas Blues y el Chicago Blues, unido a su sonido eléctrico de guitarra, fueron una gran influencia para muchos reconocidos músicos.

Se podría decir que el concepto de blues-rock nació de sus cuerdas, otorgando a una nueva generación una oportunidad en los escenarios. Y es que Freddy King ha sido mencionado como mentor e influencia de nombres tan grandes como Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan y Peter Green. Pero como reconocimiento a su gran persona, él también tuvo sus grandes influencias. A la edad de 16 años, Freddy asistía a conciertos de blues encabezados por otros no menos reconocidos como Sonny Boy Williamson, Elmore James, T-Bone Walker, y Muddy Waters. Con este último, inició sus andaduras como músico de acompañamiento, junto a otros de su promoción como Little Walter, Eddie Taylor y Jimmy Rogers.

Freddy realizó sus primeras grabaciones en 1960 con You've Got To Love Her with Feeling y Have You Ever Loved a Woman, las cuales fueron un éxito. Su carrera seguiría con éxito durante casi 20 años, en los que trabajó con Eric Clapton y algunos miembros del Jeff Beck Group. Su primer tour en continente europeo fue en 1967 .También compartió cartel en el Texas Pop Festival de 1969 (tan solo dos semanas antes del legendario Woodstock) con otros jóvenes como Canned Head, Ten Years After, Led Zeppelin y Janis Joplin.

El disco del que hablamos hoy es su segundo LP de 1961, su disco más influyente y más recordado. Lo curioso es que es un disco atípico, ya que ninguna de sus 12 canciones tienen letra alguna, todo es jamming en el estudio, pero con una potencia y virtuosidad que se podria asociar a las juventudes británticas que se lanzarian al escenario pocos años después. Hide Away es, curiosamente, su canción más conocida y la que más ha sido versionada por los seguidores del rey (quienes en lugar de hacer caso a su título y esconderse, salieron a la calle a reivindicarlo), siendo asímismo una pieza clave en el blues rock británico tanto por ella mísma como por la versión que hicieron Eric Clapton y los Bluesbreakers en 1965.

Desde ya, declaro a Freddy King como el rey del blues-rock. So let it be written, so let it be done.

The Deans - The Album (2008)

2009-06-28T00:35:00.004+02:00

The Deans son un joven, pero reconocido grupo irlandés que ha revolucionado el panorama musical europeo, con una gran reputación en países como el Reino Unido, Francia o la misma Irlanda, cuando sus componentes apenas alcanzan las 2 décadas de vida.

El grupo surgió a mediados de esta década, y en poco tiempo ya tocaban con grandes nombres como Henry McCullought (Joe Cocker and Wings), Eric Bell (Thin Lizzy), Jackie McCauley (Them) y Johnny Fean (Horslips). La estela del grupo despegó en el año 2006 cuando participaron en el Internacional Rory Gallagher Festival, en su Irlanda natal. Ese mismo año, cuando apenas contaban con 15 años, publicaron su primer album One. Un año antes, habían sacado su primer EP (album de corta duración) con 4 pistas llamado Made in Athenry. Entre las (interminables) influencias musicales más importantes del grupo, destacan Cream, Peter Green's Fleetwood Mac, Rory Gallagher, Muddy Waters, B.B King, Robert Johnson y John Mayall and the Bluesbreakers.

The Album, su segundo disco, recoje todas estas influencias en un sonido clásico, pero a la vez moderno. Especialmente la fuerza del cantante recuerda a la de Gallagher. Todas sus pistas son de creación propia, muy probablemente inspiradas en sus influenciadores. Pero destacaremos unos cuantos de sus temas: I Got a Rid of Luci, que abre el disco, es el perfecto ejemplo de lo que decia acerca del sonido clásico y moderno, manteniendo el toque blues de décadas anteriores, pero añadiéndole ese sonido actual; Gotta Keep on Movin' es un tema que, de alguna manera, recuerda al clásico blues-rock británico, del mismo modo que Tumbleweed Blues, aunque su tempo está totalmente basado en el clásico blues, los añadidos de guitarra lo camuflan como un auténtico pionero de los sesenta. Carnival Blues, de modo parecido a la anterior, tiene un ritmo totalmente blues clásico, con armónica incluída, aunque su sonido se acerca más al rock clásico. Finalmente, destacar Give Me a Soul...?, la canción que cierra el disco con sus 12 minutos de improvisación, que convierte a estos jovenzuelos en unas auténticas promesas y el futuro de la música.

Un grupo altamente recomendado para los veteranos de los sesenta y setenta que creen que hoy día no hay música que valga la pena. Esto les cerrará la boca.

Versiones de blues (1)

2009-02-21T01:19:00.009+01:00

Hoy presentamos una pequeña selección de clásicos del blues y diversas versiones que artistas contemporáneos han realizado de las mismas:

Canción: Shake Your Moneymaker
Año: 1961
Artista Original: Elmore James

Original:

Versión de Paul Butterfield Blues Band:

Versión de Fleetwood Mac:

Canción: Got My Mojo Working
Año: 1956
Artista Original: Ann Cole

Al no encontrar la original, ofrezco la versión de quien popularizó el tema, Muddy Waters:

Versión de Paul Butterfield Blues Band:

Versión de The Zombies:

Versión de Mississipi Blues Band:

Canción: Hoochie Coochie Man
Año: 1954
Artista Original: Muddy Watters

Original:

Versión de Eric Clapton:

Versión de The Allman Brothers:

Versión de Jimi Hendrix:

Versión de Paul Rodgers (actual cantante de Queen):

Versión de Steppenwolf:

Versión de Barón Rojo:

Versión en directo de Motorhead:

Canción: When the Levee Breaks
Año: 1929
Artista Original: Kansas Joe McCoy and Memphis Minnie

Original:

Versión de Led Zeppelin:

Fleetwood Mac - Peter Green's Fleetwood Mac (1968)

2009-02-10T13:36:00.004+01:00

Los orígenes de Fleetwood Mac se remontan, como la mayor parte de los británicos rockeros bluesman, a John Mayall & The Bluesbreakers. Peter Green era miembro del grupo, como sustituto de Eric Clapton tras el exitoso Blues Breakers with Eric Clapton. Pronto Green demostró un talento excepcional, y recibió alabanzas por su trabajo en el siguiente trabajo de los Bluesbreakers, A Hard Road. Poco después, Green solicitó que el batería Mick Fleetwood entrara en la banda. Green y Fleetwood ya habían coincidido anteriormente en otros grupos como Shotgun Express, donde también estuvo un jovencisimo Rod Stewart.

Tras el éxito de su último disco, Mayall ofreció a sus compañeros de grupo tiempo de grabación gratuito, del que Green, Fleetwood y el cuarto miembro de los Bluesbreakers, John McVie, sacaron 5 canciones. La quinta de ellas, una improvisación instrumental, fue llamada Fleetwood Mac. Al comprobar el buen rollo en estas grabaciones, Green abandonó el grupo y reclutó a Fleetwood. Ambos quisieron deseperadamente que McVie también se les uniera y este, en un principio, prefirió quedarse con Mayall. Pero tras algunas semanas, se unió al proyecto conocido como Peter Green's Fleetwood Mac.

Fleetwood Mac es el primer álbum del grupo, al que más adelante, y para no confundir con su álbum de 1975, se le llamó Peter Green's Fleetwood Mac. El disco es un gran ejemplo de blues-rock británico, con algunas pinceladas de psicodelia (no al nivel del Disraeli Gears de Cream).

El disco trae varias canciones de creación propia como My Heart Beat Like a Hammer, Merry-Go-Round o Long Grey Mare, las tres primeras del álbum que constituyen un claro ejemplo de blues 100%. Pero como cabía de esperar de cualquier primer álbum de blues británico, también trae consigo versiones de los clásicos del blues como Robert Johnson (Hellhound on My Train), Elmore James (Shake Your Moneymaker, una impresionante versión para quitarse el sombrero) o Howlin' Wolf (No Place to Go)

Cream - Disraeli Gears (1967)

2008-12-25T21:13:00.009+01:00

Al final no lo he podido evitar y he subido una reseña de este grandisimo grupo británico que lo tengo tan de moda recientemente.

Cream estaba formado por los 3 bluesmen británicos más prestigiosos del mundo: Ginger Baker, Eric Clapton y Jack Bruce. Baker se inició en la prestigiosa Graham Bond Organisation la cual, junto a los Bluesbreakers y Blues Incorporated, es considerada la base del blues y rock británicos de principios de los 60. Jack Bruce se inició con los Blues Incorporated, y más adelante abandonó el grupo para unrise al Graham Bond Quartet, donde coincidió con Baker. Clapton, por su parte, se unió a los legendarios Yardbirds en 1963, donde demostró una técnica sin precedentes, y con los que hizo de banda de acompañamiento de Sonny Boy Williamson. En 1965, abandonó el grupo siendo reemplazado por Jeff Beck, y se unió a John Mayall & The Bluesbreakers, donde sólo duró unos pocos meses pero de cuya unión salío uno de los mejores discos de mediados de los 60: Blues Breakers.

Así pues, por destino de la historia, los 3 se unieron en un proyecto común, del que nació su primer disco (Fresh Cream) en 1966, la cual incluía muchas versiones de clásicos blues como Skip James, Muddy Waters o Howlin' Wolf, junto a material propio escrito por Bruce en su mayoría, y Baker (en una de las cuales encontramos uno de los primeros ejemplos de solo de batería de la historia del rock). Para aquella época, Cream aún no había desarrollado su personalidad "in stage" de alargar las canciones innumerables minutos. Poco antes de la salida de este primer disco, Cream tuvo la oportunidad de tocar junto a alguien que era fan de Clapton: Jimi Hendrix.

La gira del Fresh Cream les llevó hasta el Nuevo Continente en marzo del 1967, donde tocaron 9 noches en el RKO de Nueva York. Pocos meses después, el grupo volvió a la ciudad para grabar su gran disco: Disraeli Gears. El disco contó ya con una mayor parte de material propio, y 3 de ellas se convertirian en los grandes hits del grupo: Tales of Brave Ulysses, Strange Brew y por supuesto, Sunshine of Your Love. El disco también presenta una nueva faceta musical del grupo, el cual se introducía de lleno en la psicodélia tan de moda en la época con el mismo, aunque sin perder el toque blues-rock característico.

Acerca del repertorio, Blue Condition es una canción especial, puesto que el batería Baker toma, de forma inusual, el rol de cantante (Phill Collins aún tardaria tiempo en aparecer). Outside Women Blues, pese a no ser un single, también se ganó el cariño del público como favorita. Y sin duda otra de las más recordadas, y precisa e irónicamente por su nombre, es Swlabr, que en realidad es un acrónimo de She Walks Like A Bearded Rainbow (Ella Camina Como Un Arcoiris Barbudo).

Y como seria demasiado tópico que dejara Sunshine of Your Love como canción...:

Robert Johnson - King of the Delta Blues Singers (1961)

2008-12-11T18:55:00.003+01:00

Hablar de Robert Johnson es hablar de una figura legendaria, para bien y para mal, del blues. Considerado el abuelo del Rock and Roll, y una de las grandes figuras del blues clásico mucho antes de B.B. King o Muddy Waters, y sin duda un nombre que influenció tanto a bluesmen como a rockeros (Led Zeppelin, Bob Dylan, Rolling Stones, Jeff Beck y Eric Clapton).

El misterio que rodea a la figura de Johnson se debe a la poca documentación que se tiene sobre su vida, principalmente porque en aquella época los medios no tomaban nota de los artistas, y menos de los negros (recordemos la separación racial que existió en los Estados Unidos hasta muy pasados los años 60). Todo ello, en conjunción con la temprana edad a la que murió (27 años, la misma edad que otros grandes nombres del mundo musical como Kurt Cobain, Jim Morrison y Jimi Hendrix), crearon un mito y, sobretodo, leyendas e historias.

Así, se cuenta que a temprana edad, y con la ilusión de querer llegar a ser algún día un gran bluesman, un desconocido le citó en un cruce cerca de la plantación donde trabajaba, a medianoche. Una vez allí, el desconocido le afinó la guitarra, otorgándole el don de la maestría en guitarra, y se la devolvió a cambio de su alma.

Fuera o no cierta esta leyenda, Johnson pasó de la noche a la mañana a ser un guitarrista sin precedentes, siendo capaz de tocar una melodía con sólo oirla una vez y con una habilidad tocando la guitarra que bien se merecía la historia del pacto con el diablo.

A finales de 1936, Robert Johnson realizó la mayor parte de sus grabaciones en estudio en un solo día. Se dice que Johnson grabó en el estudio de cara a la esquina opuesta a la ventana de producción, por su timidez y por ser un escenario desconocido para el músico. También se dice que aquella noche, Johnson volvió a casa con más dinero en su bolsillo del que jamás tuvo en su vida.

En agosto de 1938, Johnson falleció en circunstancias desconocidas, alimentando así su leyenda negra para la eternidad. Para su muerte, algunos temas que grabó ya habian salido a la luz en los denominados "race records", discos principalmente de jazz, blues y gospel realizados a principios del siglo XX y cuyo público objetivo eran los afroamericanos ("race" era usado en el argot para referirse a los propios afroamericanos). El disco que os presentamos hoy, es una recopilación de temas que Johnson grabó en 1936 más 4 temas de 1937.

Sin duda una buena oportunidad para acercarse al blues del Delta más clásico del siglo XX.

Blues Incorporated - R&B from the Marquee (1962)

2008-11-11T16:39:00.003+01:00

Detrás de Blues Incorporated se encuentra la legendaria y tristemente poco reconocida figura de Alexis Korner, denominado como "el padre fundador del blues británico". Nacido en Paris en 1928, se trasladó a Londres en plena II Guerra Mundial y uno de sus recuerdos de la época era de escuchar un disco de Jimmy Yancey durante un bombardeo alemán, y según palabras propias, a partir de entonces lo único que queria era tocar blues. A finales de los 40, Korner se unió a la Chris Barber's Jazz Band y allí conoció a su futuro compañero de grupo Cyril Davies. Juntos, tocaron en los más famosos clubes de blues de Londres, hasta que en 1961 crearon Blues Incorporated, uno de los primerisimos grupos de blues británicos, y que incluyó en sus filas nombres como Charlie Watts, Ginger Baker o Jack Bruce. Asimismo, Blues Incorporated permitiria a jovenes fans aficionados a tocar junto a ellos, y entre ellos se pueden remarcas los nombres de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Rod Stewart, John Mayall y Jimmy Page.

R&B from the Marquee no fue el primer trabajo de Alexis Korner ni de Blues Incorporated, pero sin duda fue el primer disco de blues británico que fue una gran influencia para todos los jovenes, a pesar de su poco exito comercial. De hecho, aunque el título pueda insinuarlo, el disco no es en directo. The Marquee es un legendario club musical londinense por el que numerosas estrellas musicales han pasado (Pink Floyd, The Who, David Bowie, Jethro Tull...), y donde los Rolling Stones dieron su primer concierto en 1962. Durante los 70 y 80 promovió el movimiento punk inglés (Sex Pistols, The Clash, The Buzzcocks) y la new wave (The Police, Dire Straits, Joy Division). También se realizaron en dicho club numerosos conciertos secretos de grupos famosos, en los que las bandas eran anunciadas con un nombre concreto para que solo los fans más hardcore supieran de quién se trataba.

Acerca del disco, se trata de una mezcla entre canciones clasicas del blues americano y creaciones propias. La mayoria de los clásicos son de Muddy Waters (I Got My Brand On You, I Wanna Put a Tiger in Your Tank, Hoochie Coochie). El britanico Long John Baldry colaboraria en el disco poniendo voz a un título propio: I Thought I heard That Train Whistle Blow. El resto de temas son creación de Alexis o Davies, y mayoritariamente son jamming que, si bien ya hemos dicho que el disco es de estudio, se podria considerar en cierta medida un directo sin publico, y que demuestran como sentian el blues estas dos leyendas.

The Ballbreakers - Happy Birthday Blues

2008-10-29T01:05:00.000+01:00

Cover de una canción de B.B. King para un día especial.

XXI Festival Internacional de Blues de Cerdanyola

2008-09-29T21:14:00.002+02:00

Aunque este no es un blog de noticias, no podía dejar pasar la oportunidad de informar sobre este acontecimiento.

Del 3 al 12 de octubre se celebra en la localidad barcelonesa de Cerdanyola el Festival Internacional de Blues, que ya cuenta con 21 ediciones a sus espaldas. Podeis encontrar el programa aquí (en catalán, pero para ver los nombres de los artistas que actuan no es necesario ningún idioma). Además de los conciertos programados, la localidad se viste con sus mejores galas para homenajear al blues, decorando algunos de los mejores comercios con detalles relacionados con el blues, y los bares musicales nocturnos del lugar estarán abiertos ofreciendo música en vivo.

Os dejamos con un video de Buddy Guy en la edición del festival de 1993:

Albert King & Stevie Ray Vaughan - Stormy Monday

2008-09-12T00:22:00.001+02:00

John Mayall - John Mayall Plays John Mayall (1964)

2008-09-04T20:33:00.004+02:00

El nombre de John Mayall es uno de los más reconocidos y respetados en el panorama musical británico. Fue uno de los primeros aficionados al blues afroamericano en agarrar una guitarra y subirse a un escenario a emular a sus héroes. Además, en su grupo, los Bluesbreakers, militaron más de una docena de musicos diferentes que se iniciaron en la música grácias a Mayall, y que acabaron formando parte de los grupos más reconocidos del panorama musical anglosajón. Entre otros, Peter Green y Mick Fleetwood, quienes fundarían Fleetwood Mac; Harvey Mandel, Walter Trout y Larry Taylor, los cuales crearían Canned Heat. Jack Bruce, el cual se juntaría con otro exmiembro de los Bluesbreakers Eric Clapton (aunque cuando se unió a Mayall, ya tenía un serio renombre tras de si) y Ginger Baker para formar los legendarios Cream; y Mick Taylor, guitarrista de los Rolling Stones.

John Mayall inició su carrera musical de forma esporádica en 1956, juntándose con su amigo Peter Ward para crear el grupo Powerhouse Four, con el que dieron algunos conciertos por el Reino Unido junto con 2 musicos locales de cada ciudad en la que tocaban. Alexis Korner, una leyenda dentro de la historia del blues británico, le persuadió para dedicarse a su carrera musical a tiempo completo y trasladarse a Londres, donde le presentó a numerosos músicos que buscaban una oportunidad en el escenario.

En 1963 Mayall creó los Bluesbreakers, compuestos por Ward, el bajista John McVie y el guitarra Bernie Watson. A estos se les unió, en su primeras grabaciones, el batería Martin Hart. En 1964, con Hughie Flint sustituyendo a Hart y Roger Dean tomando el puesto de Bernie Watson, los Bluesbreakers fueron el grupo de acompañamiento de John Lee Hooker en su gira británica. Ese mismo año, Mayall consiguió su primer contrato discográfico, y el 7 de diciembre grabaron este disco en directo en el Klook's Kleek.

Muy pocos se han atrevido a lo largo de la historia a hacer un directo en su disco debut. Lo normal es sacar dos o tres discos y después una actuación en directo con algunos de estos temas. Pero Mayall llevaba en su interior el espíritu del blues, y tuvo las santas narices de jugársela. El disco fue un fracaso de ventas, así como el single que sacaron de Crocodile Walk (grabada en estudio para el single, y también incluida en el disco).

A pesar de ello, el disco es uno de los mejores directos de principios-mediados de los 60, transmite notablemente el sentimiento del blues tradicional y la fuerza rejuvenecedora del blues británico.

Muddy Waters - At Newport 1960

2008-08-23T20:50:00.001+02:00

El Newport Jazz Festival es un festival que se realiza en la localidad de Newport, Rhode Island, desde 1954. Desde su primera celebración, numerosos artistas de renombre en el mundo del Jazz y el Blues se han dado cita en él: Miles Davis, Nina Simone, Ray Charles o Ella Fitzgerald. En 1971, unos disturbios provocaron que el festival fuera trasladado a la ciudad de Nueva York hasta 1981. Hasta hoy, numerosos artistas han realizado grabaciones de sus conciertos en dicho festival.

En 1960 Muddy Waters, ya consolidado como uno de los grandes del blues, realizó allí una de las mejores actuaciones de su carrera. Este disco que salió de la grabación de la misma, significó toda una revolución para una generación de británicos que, ya desde finales de los años 50, descubrieron en el blues americano su vía musical de escape.

Mucha controversia existe con este directo. Algunos afirman, como he comentado arriba, que es el mejor trabajo de Waters y uno de los mejores directos de blues (con permiso del Regal de B.B.King). Mientras que otros creen que su actuación estuvo por debajo de años anteriores a pasarse al blues eléctrico (algún día hablaremos de este tema que fue muy controvertido en el panorama musical, tanto del blues como del rock). Sin duda la mejor forma de saber quién tiene razón (o quién no la tiene), es escuchando este disco, en el que Waters hace gala de su mejor repertorio clásico, incluyendo dos indispensables que fueron las mejores del recital: (I'm Your)Hoochie Coochie Man y I've Got my Mojo Working.

En el año 2001, se lanzó el disco remasterizado que incluía 4 canciones de estudio grabadas poco antes del festival: I Got My Brand On You, Soon Forgotten (inédita en los Estados Unidos hasta la fecha), Tiger in Your Tank y Meanest Woman.

Martin Scorsese presents The Blues (6): Red, White and Blues

2008-08-05T03:05:00.001+02:00

The Blues es una serie de documentales producidos por el célebre director Martin Scorsese, cada uno de ellos dirigido por un director diferente (Clint Eastwood, Mike Figgis o el mismo Scorsese), los cuales abarcan diferentes épocas de la historia del blues desde sus raíces africanas, pasando por el Delta Blues y la invasión británica. De éste último es del que hablaremos hoy.

En un plano personal, decir que elegí empezar la visualización de los documentales por este concretamente por un motivo: es el más cercano a mis conocimientos. Me explicaré; debido a mi interés por el género rock, los nombres de Eric Clapton, Mick Jagger, Mick Fleetwood, Keith Richards, Jeff Beck o John Mayall no me resultan desconocidos. Y quién mejor que todos ellos, grandes fanáticos del género afroamericano quienes se iniciaron en un género a caballo entre el rock y el blues, para abrirme las puertas de este desconocido mundo en el que me estoy introduciendo llamado blues.

Muchos célebres artistas británicos exponen sus opiniones y puntos de vista respecto al tema, empezando por el revival jazz y folk aparecido en el Reino Unido tras la 2ª Guerra Mundial, aproximadamente a principios de los años 50: al principio con grupos musicales en hoteles de lujo y más adelante, con artistas actuando en diferentes recintos. El creciente interés de los jóvenes británicos por los artistas de blues americanos, cuyo material conseguían gracias a "amigos de" que solían embarcarse regularmente en viajes hacia los EEUU, favoreció que un hombre clave, Chris Barber, organizara los primeros tours británicos de populares nombres del blues estadounidense como Muddy Waters, Big Bill Broonzy o B.B. King. Sin duda este fue un punto culminante en la historia, pues propició que anónimos británicos asistieran a ver a sus idolatrados en directo y su afición por la música creciera hasta el punto de agarrar un instrumento y formar una banda para tocar versiones de sus ídolos. Y me refiero a anónimos británicos como John Mayall, Eric Clapton o Alexis Korner, quienes formarían los primeros grupos de blues británicos: Los Bluesbreakers, los Yardbirds y Blues Incorporated (éste último considerado el primero de todos, siendo el que animó a los demás a tomar ejemplo y subir al escenario), y más adelante, Jeff Beck o los Rolling Stones.

Resulta parcialmente irónico que dichos grupos británicos ganaran una importante reputación en los Estados Unidos versionando e imitando a grupos del mismo país que nadie conocía (recordemos los temas raciales de los EEUU hasta mediados de los años 70: blancos con blancos, y negros con negros). La anécdota legendaria siempre será la de los Rolling Stones mencionando sus influencias musicales, con nombres como Muddy Waters, y los estadounidenses con cara de pan preguntándose quién demonios era ese.

El documental contiene entrevistas a diferentes personalidades del mundo musical británico, así como improvisaciones musicales en los legendarios estudios de Abbey Road y actuaciones en directo procedentes de archivo. Entre las celebridades que aparecen, destacan Jeff Beck, John Mayall, Humphrey Lyttleton, Tom Jones, Eric Clapton, Van Morrison, Mick Fleetwood, B. B. King y Lulu.

Recomendado para todos aquellos que, como yo, encaminan sus pasos desde el rock.

Cuby & The Blizzards - Desolation (1966)

2008-07-27T20:47:00.001+02:00

Cuby & The Blizzards fue un famoso grupo europeo de Blues Rock formado en los Países Bajos, y es uno de los grupos de blues más importantes del país. El grupo estaba formado, en su primer disco, por el cantante Harry Muskee (apodado Cuby), el guitarrista Eelco Gelling, el bajo Willy Middel, el bateria Dick Beekman y el segundo guitarrista Hans Kinds. Gelling y Cuby, los únicos que se mantendrían estables durante el tiempo que duró la banda (un sinfín de músicos fueron miembros del grupo, reemplazando a otros), ya habian coincidido anteriormente en dos grupos donde tocaban rock and roll: Rocking Strings (1962) y Sharks (1963).

Su repercusión fue tal que llegaron a grabar un disco como banda de acompañamiento del legendario bluesman Eddie Boyd, y fueron la banda de acompañamiento de Van Morrison en su recién estrenada carrera en solitario tras salir de Them, en sus conciertos de Holanda y los Países Bajos durante su gira de 1967. Incluso Gelling fue invitado a unirse a John Mayall & The Bluesbreakers, aunque este rechazó la oferta. Pero a pesar de la negativa, parece que había muy buen rollo con John Mayall, ya que este llegó a pasar unos días en la granja de Muskee.

Desolation es el primer trabajo del grupo bajo el sello de Phillips (sí, sí. La misma que todos conocemos), y se inicia con Things I Remember, breve canción que empieza con una agradable melodía que durante unas décimas de segundo me hace recordar una canción de los Who de su rock-opera Tommy, y consigue una excelente entrada al álbum, dejando un buen sabor de boca. Su brevedad nos prepara para algo más largo y con más sonido blues clásico: Hobo Blues, de más de 6 minutos. La siguiente, Just for Fun, continua con el sonido blues, aunque más rockero y animado. La cara A termina con I'm in Love, lenta balada que cierra de forma excelente la primera parte de este debut.

Gin House Blues abre la cara B, con casi 8 minutos. Una bonita balada que hacia la mitad se dispara durante un minuto mientras Cuby grita desesperadamente y los platillos de la batería cobran protagonismo por un breve espacio de tiempo. La siguiente es otra canción con la palabra Blues en su nombre: Desolation Blues, otra canción lenta apoyada únicamente por una guitarra acústica en la que, por primera vez en el álbum, la armónica entra en escena. Con Five Long Years (título que me hace pensar de forma irremediable en una canción de David Bowie), el grupo incorpora a su repertorio una bonita versión de Eddie Boyd. El disco termina con Let's Make It, una despedida marchosa al más estilo rock and roll que cierra el disco de forma redonda.

Sirva este artículo como homenaje a un desconocido grupo europeo que gozó de fama fuera de las fronteras de su país, extendiendo su popularidad incluso hasta el Reino Unido, y causando admiración en grandes nombres del panorama musical británico.

B.B. King, Eric Clapton, Jeff Beck, Albert Collins & Buddy Guy - Sweet Little Angel

2008-07-17T01:09:00.001+02:00

The Groundhogs - Scratching the Surface (1968)

2008-07-15T00:52:00.012+02:00

Muy poca gente conoce a este grupo británico de principios de los años 60, a pesar de haber sacado 3 discos con bastante éxito a principios de los 70. Los Groundhogs fueron la banda de respaldo de las giras de John Lee Hooker y Champion Jack Dupree por tierras británicas. Su primer álbum (el que hoy revisionaremos) fue lanzado en 1968 y fue el primero, y durante muchos años único, trabajo del grupo de blues. Los integrantes del grupo para entonces eran Tony McPhee (cantante y guitarrista), Peter Cruickshank (bajista), Ken Pustelnik (batería) y Steve Rye (armónica).

Sus siguientes lanzamientos fueron más enfocados al rock más potente: Thank Christ For The Bomb (1970); Split (1971) y Who Will Save the World? The Mighty Groundhogs (1972), todos alcanzaron el top 10 de ventas en el Reino Unido. Split fue el disco que más alto llegó: alcanzó el puesto nº5 de ventas, se mantuvo durante 27 semanas y consiguió la certificación de disco de oro. Tal fue el éxito que, a petición de Mick Jagger, telonearon a los mismísimos Rolling Stones durante su gira del 71.

Como decía, Scratching de Surface fue el primer trabajo del grupo al estilo blues rock. Rocking Chair abre el disco dejando oir un buen sonido algo folk por parte de la banda, sin ser una composición muy trabajada se deja escuchar fácilmente y alegra el oído. La siguiente del disco es Early in the Morning, algo más lenta pero no por ello menos buena. De hecho es una de las mejores del disco, y hubiera podido ser un gran single. Waking Blues recupera el ritmo animado del inicio de forma corta pero genial. A continuación, la batería cobra protagonismo con un sonido fijo y persistente con Married Men. Seguidamente, con una introducción que durante un segundo recuerda a Hey Joe, No More Doggin'.

La cara B se inicia con Man Trouble, donde el grupo se combina de forma perfecta para mantener un ritmo que de repente acelera liderado por la guitarra de McPhee, para luego volver al ritmo original y así un par de veces. Y cuando se hace el silencio y la canción parece haber terminado... reaparece el ritmo para dar el toque final. Magistral.

Tras esta genialidad, volvemos a una balada lenta y bonita: Come Back Baby, otra que suena algo folk. Cierran el disco You Don't Love Me y Still A Fool, donde nuevamente la batería gana protagonismo de forma martilleante. Sin duda una genial forma de cerrar el disco.

Una reedición del disco de 1990 contiene como bonus track Oh Death, Gasoline, Rock Me y Don't Pass the Hat Around.

Un grupo totalmente olvidado a pesar de su efímera fama a principios de los 70. Y desde luego, un disco infravalorado que quizás no alcance las genialidades de Fleetwood Mac o Cream, pero que merecería un recordatorio especial entre los grupos que dieron vida al blues rock a mediados y finales de los años 60.

B.B. King - Live at the Regal (1965)

2008-07-12T01:30:00.010+02:00

Ladies and Gentleman, how about a nice warm round applause, to welcome the world's greatest blues singer. The king of the blues... B.B. King!!

Y acto seguido la banda empieza a tocar Every Day I Have This Blues, mientras B.B. King sube al escenario a entonar esta animada tonadilla para iniciar uno de los mejores directos de blues de la historia, a pesar de que el mismo rey no lo tiene como uno de sus favoritos. Y aquí le tenemos, compartiendo su legendario repertorio con una audiéncia de mayoría afroamericana, causando estragos entre sus fans femeninas como hoy día lo haría cualquier cantante sacado de O.T.

Live at Regal es el cuarto album del rey del blues, y primer directo tras 5 años desde su anterior disco My Kind of Blues. En realidad sus tres discos anteriores no eran obras trabajadas en su totalidad de forma completa, sinó que eran recopilaciones de singles, algo que estaba a la orden del día en aquella época.

Como ya he comentado, el concierto se inicia con Evert Day I Have This Blues, que deja muy claro qué marcha se llevará en el escenario por el resto de la noche. Una composición corta, sin mucho material literario en su interior, pero con un claro mensaje de inundar el local de blues. La sigue Sweet Little Angel, una de las veteranas canciones del rey que enloquece al público a los primeros compases. A continuación, El Rey nos explica una pequeña historia sobre la pérdida de una mujer, y deleita al público con It's My Own Fault, de John Lee Hooker, con la que la banda de acompañamiento empalma con How Blue Can You Get?, donde King pone mucha energía en voz y la letra.

Y sin mediar palabra, suena el riff de guitarra típico del blues y empieza Please Love Me, donde podemos oir un corto solo de guitarra marchoso. Tras esta, aparecen You Upset Me Baby, y Worry Worry, la composición más larga de la noche. A continuación, otra canción que incita al baile: Woke Up This Morning (My Baby's Gone), corta pero directa. You Done Lost Your Good Thing Now es quizás la mas lenta de la noche, y es que nos acercamos al cierre del show y hay que guardar fuerzas para el gran final: Help the Poor, original de Charles Singleton, una buena canción que incita a sacar las maracas y seguir su ritmo hipnótico.

Este no es un directo bestial, ni va directo al cuello, ni puede asemejarse en cuanto a sonido y crudeza a directos que en posteriores décadas deleitarían, y a la vez, escandalizarían al público. Tan solo se trata de un famoso cantante de blues dando lo mejor de sí mismo para un público entregado a él como si fuera una deidad. Y al final todos caemos.

Etimología y orígenes

2008-07-10T16:33:00.007+02:00

Una de las primeras referencias al término "blues" se remonta a la farsa de George Colman Blue Devils de 1798, haciendo referencia a los espíritus caídos de la depresión y la tristeza. Posteriormente, durante el siglo XIX, "blues" se usó como eufemismo para referirse al delirium trémens y a la policía.

La historia del género se remonta a la época de la esclavitud estadounidense. La mayor parte de la mano de obra que trabajaba en los campos de algodón y, en general, en cualquier plantación, era de orígen africana, y mayoritariamente se encontraba ubicada en estados del sur, como Mississipi, Louisiana, Georgia o Alabama. Estas colonias de esclavos solían cantar canciones que se denominaban canciones de trabajo, ya que solían cantarse mientras se realizaban las laboriosas tareas diarias, con temáticas desde religiosas para pedir favores a las deidades hasta paganas. Generalmente consistía en un patrón repetitivo que iniciaba uno de ellos y el resto le seguía a la vuelta. Algunas veces, fuera del trabajo, dichas canciones iban acompañadas de instrumentos musicales como el banjo, permitido por los "amos" por su semejanza con instrumentos europeos como el violín. En un principio, las canciones eran entonadas en sus lenguas africanas maternas, como el bantú. Pero poco a poco, se fueron adaptando a la lengua de los colonizadores.

Terminada la Guerra Civil en 1865, se abole la esclavitud y los negros pasan a formar parte de la sociedad, y por ende, pueden asistir a clases de música. A principios del siglo XX empiezan las primeras manifestaciones de lo que finalmente seria el blues. Mayoritariamente eran herencias de sus antecesores esclavos, cánticos depresivos por la situación de la población afroamericana o de ánimo para seguir el camino.

El blues más cercano e influyente para la juventud blanca que arrancaría sus carreras musicales en los años 60 empezó tras la Segunda Guerra Mundial, probablemente al mismo tiempo que lo hizo el Rock and Roll, influenciado también por el blues. A principios de los años 60, ambos géneros se unieron y crearon el blues rock, mayoritariamente seguido por jóvenes blancos. Paul Butterfield fue el primer hombre blanco en tocar blues, algo impensable en la época debido a las diferenciaciones sociales entre negros y blancos en la sociedad estadounidense.

A mediados de los 60, aparecieron en el panorama musical un sinfín de grupos que reivindicaban el legado de la música negra: The Yarbirds, The Rolling Stones, Cream, John Mayall & The Bluesbreakers, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Fleetwood Mac, Ten Years After o Lynyrd Skynyrd.

Rutinario post de bienvenida

2008-07-09T22:24:00.000+02:00

When you have these blues
and there's someone you're about to lose
There'll be a time, yeah, you can't sleep at night
She won't believe in you, oh, if you don't treat her right

"All These Blues" es una canción tradicional aparecida en el álbum East-West de The Paul Butterfield Blues Band.

Aquí empieza la andadura de este blog, y antes que nada:

- No voy de prepotente por escuchar blues.
- Ni me creo superior a los demás.
- No tengo 50 años.
- No creo que la música muriera después de Ray Charles.
- Ni que el punk no esté muerto.

Y ahora, sea bienvenido quien quiera acompañarme en este viaje de descubrimiento de la música afroamericana que terminó revolucionando el mundo. Un punto de partida para todos aquellos que, como yo, tienen algún interés en este género pero no sabían bien por qué escalón empezar. O para aquellos avanzados que quieran recomendar y guiarnos mientras ascendemos la escalera de los demonios azules.